Les Musicales de la Vallée-aux-Loups

Bach Mozart

Les musicales de la Vallée-aux-loups — 2025-10-23T07:16:49Z

Iris Scialom, violon
Nommée aux Victoires de la musique classique 2025 !
Lise Berthaud, alto
Maïa Xifaras, violoncelle

MOZART, Duo pour violon et alto en sol majeur K.423
BACH, Inventions
MOZART, Divertimento pour trio à cordes en mi bémol majeur K.563

Trois musiciennes parmi les plus demandées de leur génération se réunissent pour un moment de pure beauté : Lise Berthaud, altiste au parcours fulgurant, incarnant l'une des plus belles carrières internationales de l'alto aujourd'hui. À ses côtés, l'exceptionnelle virtuose Iris Scialom, nommée aux Victoires de la Musique 2025, et la jeune violoncelliste Maïa Xifaras, dont la souplesse et la profondeur du jeu se mettent toujours au service de l'émotion la plus sincère.

Ensemble, elles célèbrent Bach et Mozart, les deux prodiges les plus universels de l'histoire de la musique, ce dernier à travers son célèbre Divertimento, œuvre d'une élégance, d'une richesse architecturale et d'une inventivité inégalées, dépassant largement le cadre de l'époustouflante virtuosité instrumentale pour atteindre une vocalité d'une rare puissance émotionnelle. Également au programme, un duo ludique et original pour violon et alto ainsi qu'une sélection des Inventions de Bach, qui inspirèrent tant Mozart, entre grâce baroque et évidence classique.

Les Artistes

Iris Scialom

violon

Iris Scialom, nommée Révélation Instrumentale aux Victoires de la Musique Classique 2025, est Lauréate du Prix des Violin Masters de Monte-Carlo – Prince Rainier III, de la Fondation Banque Populaire, Talent ADAMI 2024, lauréate de la Fondation Gautier Capuçon, de l'Académie de Villecroze, de l'Académie Ravel (2019 et 2021), des Violons de l'Espoir et des concours Internationaux Tibor Junior – lors duquel elle a joué avec Gidon Kremer – et Mirecourt – lors duquel elle a joué le concerto de Brahms à la salle Poirel. Après avoir obtenu son Diplôme d'Artiste Interpète au Conservatoire de Paris dans la classe de Stéphanie-Marie Degand, qui lui a donné l'occasion de se produire à la Cité de la Musique de Paris dans le Concerto de Sibélius, elle a été invitée à l'Opéra de Tours pour le même concerto ainsi que le 5^e de Mozart, à la Salle Gaveau pour le Concerto de Brahms et à l'Opéra de Rouen pour le 4^e de Mozart. Iris s'est également produite en soliste à la Seine Musicale avec l'Ensemble Appassionato et l'orchestre du Palais Royal, ainsi qu'avec l'orchestre de chambre de Stuttgart à Kronberg. Chambriste très appréciée, elle a joué avec Mihaela Martin, Nobuko Imaï, Claire Désert, François Salque, Frans Helmerson, Philippe Jaroussky, Laurent Naouri... Elle forme également avec le jeune et brillant pianiste Antonin Bonnet un Duo (Arborescence) qui « imprime un merveilleux frisson poétique à la musique » (Alain Cochard, Concertclassic) et avec lequel elle a gagné des prix dans de prestigieux concours de musique de chambre, notamment à Rome et à Vilnius. Ils ont obtenu leur Master de musique de chambre au CNSMDP Mention TB à l'unanimité avec les félicitations du jury dans les classes de Claire Désert et François Salque, se sont déjà produits à la Roque d'Anthéron, aux Folles Journées de Nantes et de Tokyo 2024 et viennent d'enregistrer leur premier album consacré à Fauré, Ravel et Enesco avec le Label Scala Music. Ils sont le premier duo à être résidents à la Fondation Singer-Polignac. Iris joue un Guadagnini de 1773 généreusement prêté par Diane du Saillant.

Lise Berthaud

alto

Très présente sur le circuit international aussi bien comme soliste que chambriste, Lise est l'invitée de salles comme le Musikverein de Vienne, le Théâtre des Champs-Elysées, la Philharmonie de Munich le Concertgebouw d'Amsterdam, le Bozar de Bruxelles, Wigmore Hall, Royal Albert Hall, la Elbphilharmonie de Hambourg, le Mozarteum de Salzburg, le Festspielhaus de Baden Baden, le Festival de Pâques d'Aix en Provence, le Festival de la Roque d'Anthéron, le Festival de Dresde, les Rencontres Musicales d'Evian, Le festival Berlioz de la Côte Saint-André, le Festival de Tanglewood, les BBC Proms, entre autres nombreux festivals.

Elle est invitée comme soliste par des orchestres comme le BBC Symphony Orchestra, le City of Birmingham Symphony Orchestra, le BBC Philharmonic, l'Orchestre Symphonique de la Radiotélévision Croate, l'Orchestre National de Lyon, l'Orchestre National de Lille, l‘Orchestre National de Belgique, le Iceland Symphony Orchestra, le Hong-Kong Sinfonietta, le Düsseldorfer Symphoniker, les Musiciens du Louvre, l'Orchestre de Chambre de Paris, l'Orchestre Philharmonique de Wroclaw, l'Ulster Symphony Orchestra, le BBC Sco[sh Symphony Orchestra, le BBC National Orchestra of Wales, le Royal Northern Sinfonia, le Netherlands Philharmonic Orchestra et joue sous la direction de Sakari Oramo, Pascal Rophé, Andrew Litton, Leonard Slatkin, Fabien Gabel, Paul Mc Creesh, Marc Minkowski, François Leleux, Michael Seal, Anu Tali, Mei-Ann Chen ou encore Emmanuel Krivine.

De 2013 à 2015, Lise Berthaud prend part au prestigieux programme BBC New Generation Artist qui lui a permis de se produire avec tous les orchestres de la BBC et d'effectuer de nombreux enregistrements en soliste et musique de chambre pour la BBC. En septembre 2014, elle fait ses débuts comme soliste aux BBC Proms au Royal Albert Hall de Londres avec le BBC Symphony dirigé par Andrew Lixon. Après avoir participé à de nombreux enregistrements dont les intégrales de la musique avec piano de Schumann et Fauré par Eric Le Sage chez Alpha, elle enregistre pour Aparté un premier disque en récital avec le pianiste Adam Laloum qui paraît en 2013. Les critiques sont unanimes : Diapason d'or, clé Resmusica, sélection Radio Classique, sélection France Inter. En octobre 2013, Leonard Slatkin la choisit pour interpréter et enregistrer pour Naxos Harold en Italie avec l'Orchestre National de Lyon dans le cadre d'une intégrale Berlioz. De 2018 à 2021, elle participe avec ses amis Pierre Fouchenneret, Eric Le Sage, François Salque et d'autres musiciens à l'enregistrement d'une intégrale de la musique de chambre de Brahms. En 2021, elle prend part à l'enregistrement d'un album Erato consacré à la musique de chambre d'Eric Tanguy, aux côtés de Suzana Bartal, Edgar Moreau, David Kadouch et d'autres, qui est largement salué par la critique et est couronné d'un Diapason d'or.

Lise s'est produite aux côtés d'artistes comme Renaud Capuçon, Bertrand Chamayou, Adam Laloum, Eric Le Sage, Augustin Dumay, Pierre-Laurent Aimard, Paul Meyer, Gautier Capuçon, Louis Lortie, Emmanuel Pahud, Marie-Pierre Langlamet, Gordan Nikollich, Martin Helmchen, Marie-Elisabeth Hecker, Daishin Kashimoto, les Quatuors Ebène, Modigliani ou Armida. Elle est membre co-fondatrice du Quatuor Strada (avec Sarah Nemtanu, Pierre Fouchenneret et François Salque) et forme un quatuor avec piano avec Baiba Skride, Harriet Krijgh et Lauma Skride.

Lise Berthaud a étudié au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris dans les classes de Pierre-Henry Xuereb et Gérard Caussé. A 18 ans, elle est lauréate du Concours Européen des Jeunes Interprètes. Elle remporte en 2005 le Prix Hindemith du Concours International de Genève.

Lise est Professeure de musique de chambre et d'alto à la Haute Ecole de musique de Genève sur le site de Neuchâtel.

Elle joue un alto d' Antonio Casini de 1660 généreusement mis à sa disposition par Bernard Magrez.

Maïa Xifaras

violoncelle

Maïa Xifaras, violoncelliste passionnée et insatiable chambriste, poursuit son parcours au CNSM de Paris. Diplômée de la HEMU de Lausanne, elle se forme durant cinq ans auprès de François Salque mais également de Frans Helmerson, Clemens Hagen, Vincent Coq ou Peter Bruns. Invitée à de nombreux festivals, tels que Banff, Prades, Gstaadt, elle partage la scène avec des artistes de renom : Tabea Zimmermann, François Salque, Maria Perrotta ou Jean-Baptiste Doulcet. Curieuse et éclectique, elle compose aussi pour le cinéma et la transmission lui tenant à cœur, elle intègre également un master de pédagogie de la HEM de Genève.

Les Métaboles - Ensemble vocal

Les musicales de la Vallée-aux-loups — 2025-02-10T14:30:00Z

APRES UN RÊVE

Ensemble vocal de 6 chanteurs
Léo Warynski direction

Josquin DESPREZ Mille Regrets de vous abandonner
Nicolas GOMBERT Mille Regrets de vous abandonner
Élise BERTRAND Ce qui dure (création)
Claude DEBUSSY Trois chansons pour chœur a cappella
Johannes BRAHMS 1^er des Drei Gesänge opus 42
Francis POULENC Un soir de Neige, cantate pour six voix
Gabriel FAURÉ Après un rêve
Camille SAINT-SAËNS Calme des Nuits
Maurice RAVEL Ronsard à son âme
Ondrej ADAMEK Les Ombres qui passent

« Après un rêve » est un programme qui fait la part belle à l'imagination, les songes et la beauté si pure des ensembles a cappella. De Josquin Desprez et Nicolas Gombert, maîtres de la polyphonie, aux envolées romantiques de Brahms et Fauré, en passant par les harmonies impressionnistes de Debussy et Ravel et les nouvelles créations d'Élise Bertrand et Ondrej Adamek, « Après un rêve » offre un somptueux panorama d'une musique vocale ou chaque œuvre nous invite à un voyage sensoriel unique, porté par des solistes de très haut niveaux parmi les plus demandés sur les scènes interna6onales.

Les Artistes

Léo Warynski

Chef d'orchestre, chef de chœur

« Précise, sensible et audacieuse », peut-on lire à propos de la direction de Léo Warynski. Ouvert et polyvalent, il dirige avec le même enthousiasme tous les répertoires : opéra, symphonique, contemporain et musique vocale.

Léo Warynski se forme à la direction d'orchestre au (CNSMD de Paris) et dirige depuis un grand nombre d'orchestres en France et dans le monde.

Il est régulièrement invité par l'Orchestre philharmonique de Strasbourg, l'Orchestre de Normandie, l'Ensemble intercontemporain ou l'Orchestre de Colombie. Son goût pour la voix et l'opéra l'amène à diriger de nombreuses productions lyriques, notamment à l'opéra de Nice (Akhnaten, Orphée aux Enfers), l'opéra d'Avignon (Carmen, Three lunar seas) ou l'Académie de l'Opéra de Paris avec qui il s'est produit dans Le Viol de Lucrèce de Benjamin Britten.

Parmi ses engagements récents figurent notamment des concerts avec l'Orchestre philharmonique du Wurttemberg, l'Orchestre du Capitole de Toulouse, ainsi que des productions lyriques à l'Opéra de Toulon ou au Teatro Colon de Buenos Aires.

Léo Warynski est directeur artistique de l'ensemble vocal les Métaboles qu'il a fondé en 2010. Par ailleurs, il est nommé en 2014 directeur musical de l'ensemble Multilatérale, ensemble instrumental dédié à la création.

En 2020, Il est désigné Personnalité Musicale de l'année par le Syndicat de la Critique.

Les Métaboles

Créées en 2010 sous l'impulsion de Léo Warynski, les Métaboles réunissent des chanteurs professionnels investis dans le répertoire pour chœur a cappella. Leur nom, inspiré d'une pièce d'Henri Dutilleux (1916-2013), écrite autour de l'idée de métamorphose, évoque la capacité du chœur à se transformer au gré des répertoires, tout en valorisant un ancrage dans la musique d'aujourd'hui. L'ensemble se consacre à l'étendue du répertoire pour chœur et le défend devant un public varié.

Si une grande part de l'activité des Métaboles est consacrée au répertoire a cappella, des collaborations avec des orchestres et des ensembles instrumentaux participent à leur saison musicale. Ainsi l'ensemble s'associe ponctuellement à l'Orchestre Philharmonique de Strasbourg, l'Orchestre national de Metz Grand Est, l'Orchestre de chambre de Paris, l'Ensemble intercontemporain ou l'ensemble Multilatérale.

Les Métaboles sont régulièrement l'invité de festivals et salles prestigieuses en France et à l'international (Philharmonie de Paris, Opéra-Comique, Festival d'Automne à Paris, Cité musicale-Metz, festival de Ribeauvillé, Les Sommets musicaux de Gstaad, Les Rencontres musicales d'Évian, Opéra de Mainz en Allemagne, Elbphilharmonie de Hambourg, Mozarteum de Salzbourg, Bunka Kaikan à Tokyo).
Les Métaboles réservent une place importante aux compositeurs d'aujourd'hui à travers des commandes d'œuvres, la création et la diffusion du répertoire de compositeurs vivants. L'ensemble s'investit également dans la formation de professionnels avec l'académie de composition ARCO et des formations à destination de jeunes chefs de chœur.

Le Moine et le Voyou (2023), disque nommé aux Victoires de la musique 2024, The Angels (2021) Jardin féérique (2020), Une nuit américaine (2016), Mysterious Nativity (2014) ainsi que Another Look (sortie prévue en mars 2025 chez b.records) forment la belle discographie des Métaboles. Salués unanimement par la critique, ces enregistrements imposent l'ensemble parmi les meilleurs chœurs français, tant par son excellence vocale (justesse, couleur sonore, homogénéité des timbres...) que par l'originalité des répertoires choisis.

L'ensemble Les Métaboles est lauréat du Prix Liliane Bettencourt pour le chant choral en 2018.

Les Métaboles sont ensemble associé à la Cité de la Voix, Centre national d'art vocal de Bourgogne-Franche-Comté

Les Métaboles reçoivent le soutien de la Drac Grand Est au titre des ensembles conventionnés, de la région Grand Est, du CNM, de la Sacem et de la Spedidam.

Madame Marie-Christine Dutheillet de Lamothe est Mécène donateur de l'ensemble, elle soutient les activités de concerts. La Fondation d'entreprise Société Générale est le mécène principal de l'ensemble.
L'ensemble Les Métaboles est membre de la Fevis et du Profedim.

Rhoda Scott Lady Quartet

Les musicales de la Vallée-aux-loups — 2025-02-10T14:00:00Z

CONCERT COMPLET QUELQUES DERNIERS BILLETS SUR PLACE

Rhoda Scott orgue Hammond
Sophie Alour saxophone ténor
Lisa Cat-Berro saxophone alto
Julie Saury batterie

Le Musicales de la Vallée aux Loups accueillent une légende vivante du jazz !

Avec son célèbre orgue Hammond, Rhoda Scott a marqué l'histoire du jazz aux côtés des plus grands, de Count Basie au producteur Eddie Barclay ! À la fois virtuose et instinctive, elle allie tradition et modernité avec un groove inimitable. Pour cette soirée exceptionnelle, elle sera entourée de son Lady Quartet, un projet qui, depuis vingt ans, met en lumière les talents les plus emblématiques du jazz féminin. Entre énergie communicative, maîtrise absolue et immense générosité musicale, toujours avec le sourire, Rhoda Scott et ses musiciennes nous offre un événement culturel d'exception qui restera dans les mémoires !

Les Artistes

Rhoda Scott

Voir en ligne : site

Rhoda Scott est née en 1938 aux États-Unis, à Dorothy, dans le New Jersey. Fille d'un pasteur itinérant, elle a grandi dans l'ambiance des petites églises noires. C'est là, en accompagnant les gospels et les negro spirituals dès l'âge de huit ans, qu'elle révèle une sensibilité musicale exceptionnelle à l'orgue.

Résolue à parfaire son éducation musicale et sa maîtrise instrumentale, elle entre à la Manhattan School of Music de New York où elle obtiendra un grand prix avec mention spéciale du jury et un Master I en 1967.

Elle vient pour la première fois en France en juillet 1967 pour terminer ses études de contrepoint et d'harmonie au Conservatoire américain de Fontainebleau auprès de Nadia Boulanger, qui a enseigné (notamment) à Aaron Copland, Pierre Henry, Philip Glass, mais aussi Quincy Jones.

Riche d'un tel parcours, Rhoda Scott est à l'aise quel que soit le contexte : musique classique, jazz, gospels et blues. Douée d'une mémoire exceptionnelle, elle peut jouer des centaines de thèmes, tout en étant capable de composer une bonne part de son répertoire.

Count Basie la découvre et l'engage pour jouer dans son club à Harlem. C'est là qu'Eddy Barclay, de passage à New York avec son ami Raoul Saint-Yves l'entend. Frappés par l'originalité de son style et de son expression, ils lui proposent de venir à Paris. Responsable du prestigieux club de jazz, le Bilboquet, Raoul Saint-Yves l'engage à partir de juillet 1968.

L'année suivante paraît sur Barclay un premier album 33-tours, "Take A Ladder", sur lequel, accompagnée par batteur Daniel Humair, elle reprend des standards de jazz aussi bien que des thèmes de West Side Story ou sa composition Take The Ladder. Le succès est immédiat, aussi bien critique que populaire.

Dominant parfaitement l'orgue Hammond, le fameux B3, associé à une cabine Leslie, Rhoda Scott enregistre et se produit généralement avec le seul soutien d'un batteur, produisant elle-même les basses grâce au pédalier d'orgue. C'est pourquoi elle a pris l'habitude de se déchausser pour jouer, ce qui lui a valu le surnom de "The Barefoot Lady", vite francisé en "L'organiste aux pieds nus" !

Elle épouse en octobre 1969 Raoul Saint-Yves qui sera aussi le producteur des nombreux enregistrements qui vont jalonner sa carrière, généralement associés à une circonstance ("Live At The Olympia" en 1971, "In New York With Thad Jones-Mel Lewis Band" en 1976, "With Kenny Clarke" en 1977, etc.) ou un thème particulier ("Ballades" en 1973, "Orgues de Noël" en 1977, "Negro Spirituals" en 1983, etc.). Tous publiés sur la marque Barclay. En 1978, Eddy Barclay remettra un trophée à Rhoda Scott attestant de plus 500 000 albums vendus.

A l'heure du Compact Disc, alors que beaucoup de ses albums vinyles sont réédités ou compilés, elle signe un contrat avec le label Verve et enregistre "Frame For The Blues" (1992), "Feeling The Groove" (1993) et "Alone " (1997). En 2003 paraît "Encore, Encore, Encore" sur Sunnyside où elle est accompagnée par le batteur Lucien Dobat.

Rhoda Scott est aussi très souvent sollicitée pour apporter la puissance évocatrice de l'orgue Hammond. S'il est impossible de citer ici toutes ses participations et collaborations, on peut mentionner "Organ Masters" avec Emmanuel Bex, Thierry Eliez, Stephan Patry et Benoît Sourisse, "Soul Sisters" avec la chanteuse LaVelle, "Rock My Boat" avec David Linx et André Ceccarelli ou "Djangolized" avec la violoniste Aurore Voilqué . Sur scène, on l'a vue au côté d'Ella Fitzgerald, Ray Charles, George Benson, etc ;

A l'occasion du festival Jazz à Vienne, elle crée en 2004 le Rhoda Scott Lady Quartet avec les musiciennes Sophie Alour (saxophone ténor), Airelle Besson (bugle) et Julie Saury (batterie). Une formule qui va perdurer avec le remplacement d'Airelle Besson par Lisa Cat-Berro (alto sax), et sera souvent présentée au Sunset à Paris et en tournée. En 2017, Stéphane Portet, le propriétaire du Sunset, crée un label pour enregistrer l'album "We Free Queens", avec le renfort de Géraldine Laurent, Anne Paceo et Julien Alour.

Commandeur des Arts et Lettres depuis 2018, Rhoda Scott réside au Mans. Elle est la marraine de chœur de l'université du Mans, dirigé par Evelyne Béché. En 2010, à l'occasion du festival du Printemps des orgues, elle a accompagné le Chœur des Mauges de Beaupréau, sous la direction de Katika Blardone. En 2014, 47 ans après son premier Master, elle a obtenu un Master 2 de recherche « Masters of jazz history & research » de la Rutgers University à Newark, New Jersey.

Sophie Alour

Née en 1974, Sophie Alour a appris le saxophone en autodidacte, après avoir étudié clarinette à l'école de musique de Quimper. C'est sur scène, in vivo, qu'elle fait l'apprentissage du jazz et très vite, en 2000, elle est engagée dans le big band « le Vintage Orchestra » qui réunit la fine fleur de sa génération. Elle créé dans la même année un sextet avec Stéphane Belmondo et intègre dans le même élan le big band de Christophe Dal Sasso qui enregistre l'album « Ouverture » (Nocturne).

Une nouvelle étape est franchie quand Rhoda Scott l'engage en 2004 pour former son quartet.
La même année elle joue dans le big band de Wynton Marsalis et participe au projet d'Aldo Romano. En 2005, elle enregistre son premier album « Insulaire » (Nocturne) salué par la critique. Elle est invitée à participer à plusieurs enregistrements et on la retrouve aussi bien sur les disques d'Alexandre Saada « Be where you are » ou « Panic circus » que sur l'album du Lady quartet de Rhoda Scott.

En tant que leader, elle réalise son deuxième album en 2007 « Uncaged » (Nocturne) qui réunit Laurent Coq au fender rhodes, Yoni Zelnik à la contrebasse et Karl Jannuska à la batterie et pour lequel elle a débauché le guitariste Sébastien Martel de la scène rock. Le public est aussi enthousiaste que la critique (disque d'émoi Jazzmag, Choc Jazzman et ffff Télérama) et elle obtient le Django d'or 2007 du jeune talent. Pendant 2 ans, elle donne des dizaines de concerts avec cette formation, en France comme à l'étranger (Afrique de l'est et Amérique centrale), réexplore son répertoire, le déconstruit, en cherche les limites, pour revenir ressourcée vers le Jazz et un nouvel album, cette fois en trio, « Opus 3 » (Plus loin music, 2010) (Choc Jazzman, ffff Télérama et le So Jazz).

En 2011, elle participe aux côtés de musiciens prestigieux tels que David El-Malek, Pierre de Bethmann ou Frank Agulhon à l'enregistrement du nouvel album de Christophe Dal Sasso « Prétextes » pour le label Bflat. En juin, elle participe au disque de Rhoda Scott enregistré en live sur la grande scène du festival de Vienne.

En 2012, Sophie Alour signe chez le label « naïve » et enregistre son quatrième disque en quintet « La géographie des rêves ». Album au titre onirique, à l'instrumentation originale et inédite dans son parcours (Stéphan Caracci au vibraphone, Yoann Loustalot à la trompette et au bugle, Sophie Alour à la clarinette basse, clarinette et ténor, Nicolas moreaux à la batterie et Frédéric Pasqua à la batterie), dans lequel elle poursuit sa tentative de se libérer d'elle même et des conventions du genre et cherche plus que jamais à exprimer une musique affranchie du formatage imposé par une société consumériste. Elle dit volontiers que « La géographie des rêves » est un manifeste ! Il recevra lui aussi un accueil chaleureux et enthousiaste et d'aucuns salueront la compositrice et arrangeuse pour cet album.

En 2014 sort « Shaker », son cinquième album, toujours chez naïve. L'amusement, la jubilation, le plaisir de se travestir, de se déguiser ont présidé à la naissance de ce disque. Elle y rassemble des compositions originales d'époques différentes de sa vie autour de ce son si particulier du trio sax, orgue (Frédéric nardin), batterie (Frédéric pasqua). Les unes comme « Shaker » ou « Joke » ont été écrites pour Rhoda Scott, ils sont un clin d'oeil aux années 60, années charnières pour les débuts du funk (Jimmy Smith, lonnie Smith...). D'autres au contraire sont d'une facture plus rock, elles ont été conçues pour une instrumentation différente, trio basse, batterie, sax ou quartet avec piano et se retrouvent détournées, magnifiées par cette nouvelle orchestration et notamment par l'orgue, couleur débordante, volontiers criarde, aux allures de dandy moderne. Ce disque mené tambour battant, se révèle plein de gaieté, d'autodérision et de références aux grandes épopées du jazz.

En 2015 on retrouve Sophie Alour notamment aux côtés de Joe Lovano, Ambrose Akimusire ou encore Bireli Lagrene pour deux concerts à la philharmonie de Paris et au Luxembourg, réunis par Eric Legnini dans un All Stars en référence à Norman Granz. Et on la retrouve aussi dans le spectacle de François Morel "La vie , titre provisoire", pour une parenthèse haute en couleurs, puisque elle y joue non seulement des saxophones et flûte mais aussi du vibraphone et des claviers. En 2016 elle participe à l'enregistrement du disque issu du dit spectacle pour le label Sony. Elle participe également à l'aventure d'Alex Saada, qui réunit 35 musiciens au studio Ferber pour 4h d'improvisation et qui donnera naissance au disque "We fee". On la retrouve enfin sur le deuxième disque de Rhoda Scott "live au Sunset" aux côtés de Julie Saury et de Lisa Cat-Berro avec en invités Géraldine Laurent, Anne Pacéo et Julien Alour. Le disque reçoit un accueil chaleureux.
En 2018 sort son sixième album, « Time For Love », qui réunit Stéphane Belmondo, Glenn Ferris, David El Malek, André Ceccarelli, Alain Jean marie, Sylvain Romano, Rhoda Scott, Laurent Coq et le quintet classique Allegria autour de standards et de mélodies intemporelles, chantées notamment par Ella Fitzgerald, Billie Holiday ou Shirley Horn. Sophie Alour est nommée dans la catégorie Artiste de l'année pour ce disque et est élue "génération Spedidam". La même année elle est invitée à faire partie du quartet de Leon Parker aux côtés du bassiste Or Bareket et de Fréderic Nardin au piano.

En 2019 Sophie Alour fait une création remarqueée, au festival de Jazz sous les pommiers, où elle présente son nouveau groupe »Joy » avec Mohamed Abozekry au oud, Donald Kontomanou à la batterie, Damien Argentieri au piano, Philippe Aerts à la contrebasse et Wassim Halal à la derbouka. Cette création donnera naissance au disque « Joy » pour lequel elle est de nouveau nommée aux Victoires dans la catégorie « Meilleur disque de l'année ». Et en 2021 elle reçoit le prestigieux prix Django Reinhardt de l'année 2020. En juin de la même année, sort son disque « Enjoy », qui est un élargissement de sa démarche à d'autres horizons. Substituant au oud de Mohamed Abozekry le saz de son frère Abdallah, elle accueille également la violoniste Fiona Monbet, la chanteuse Raphaëlle Brochet ainsi que le percussionniste macédonien Ersoj Kazimov.

Elle apparaît aussi comme soliste sur le disque « Africa Brass revisited » de Christophe Dal Sasso,paru en 2021 et enregistré en live lors du concert donné au festival de La villette en septembre 2020. Ainsi que sur le disque live de Rhoda Scott « the lady all stars » paru également en 2021.

En 2022, Sophie Alour est nominée dans la catégorie "Artiste de l'Année" aux Victoires du Jazz.

En octobre 2023 sort son huitième opus "Le temps virtuose" avec Anne Paceo, Guillaume Latil et Pierre Perchaud qui est salué comme l'album de la maturité rayonnante. Le disque reçoit de nombreuses distinctions, le choc Jazzmag, 3 clés Télérama etc. Diluant la perception du temps, passant de la rêverie à des rythmes hypnotiques, Sophie Alour mêle en alchimiste toutes les sources de son inspiration, le jazz, le rock, le classique ou encore la musique Malienne. Entre la guitare acoustique de Pierre Perchaud, le son de violoncelle de Guillaume Latil, qui offre la possibilité d'un chant à deux voix avec le saxophone ténor dont il partage la tessiture et la batterie minimaliste de Anne Paceo, Sophie Alour se joue de la contrainte imposée par cette formation et en fait l'outil d'une écriture épurée et expressionniste .

Lisa Cat-Berro

Lisa Cat-Berro est saxophoniste, compositrice et arrangeuse.

Après des études au Conservatoire National Supérieur de Paris, elle creuse un sillon personnel dans le milieu du Jazz, qui l'amène à enregistrer un premier album en 2013 qui recevra un accueil très chaleureux de la Presse (Révélation Jazzman, Découverte Jazz news) et des radios (Tsf, Fip, France Musique) et sera nommé aux Victoires du Jazz (« Inside Air », Gaya Music).
Elle fait également partie du Rhoda Scott Lady Quartet depuis 2007, et enregistre deux disques avec cette formation pour laquelle elle compose (Lady Quartet, 2007, « We Free Queens », 2016) et qui a reçu le Django d'or 2011 du spectacle vivant.

En 2018, une formation étendue voit le jour, le Rhoda Scott Ladies All Stars, crée à Jazz sous les Pommiers, dont elle signe certaines des compositions. Le disque de cette formation, paru en janvier 2022, sera nommé aux Victoires du Jazz 2022.

Passionnée par les musiques africaines, elle accompagne le batteur camerounais Brice Wassy, musicien de référence dans le monde de la musique africaine.

Ses compétences de multi-instrumentiste (flûte, trombone, clavier, chant), lui valent de jouer dans les deux spectacles de chansons du comédien François Morel (« Le Soir, des Lions », et « La Vie, Titre provisoire »), mis en scène par Juliette, entre 2010 et 2019.

Elle enregistrera le disque « La Vie, Titre provisoire » en 2016, pour lequel elle écrit des arrangements en collaboration avec Antoine Sahler.

Ses incursions dans le monde des musiques improvisée lui ont valu de jouer avec Ia harpiste Isabelle Olivier, avec qui elle monte un duo en 2015 sur une commande du festival de Souillac.

Plus récemment, elle axe son travail sur l'écriture de chansons et de musiques originales pour l'image ou la scène, avec notamment le disque « Broderies » en piano solo pour le pianiste Armel Dupas (Plus de 2 millions de streams), et les chansons de trois livres-disques pour enfants, « Je découvre la Philosophie », « En musique ! », et « Chantons sous la Lune » (avec la participation de François Morel) pour les éditions Nathan.

Elle écrit également les musiques des spectacles de théâtre d'Amandine Blanquart (« Le Petit Prince » et « Artémis »).

En 2021, son disque « Good Days Days Bad » la révèle également comme chanteuse, puisqu'il comporte 5 chansons et 5 morceaux instrumentaux, inspirés des grands songwriters des années 70. Il a d'ores et déjà reçu un bel accueil des médias (« Elue » Citizen Jazz , 4 étoiles Jazz Magazine, Playlist Jazz Radio, sélection Couleurs Jazz, France Musique, TSF, France Inter, C8).

En 2022 elle monte une nouveau projet, Solaxis, un quintet de saxophones qui réunit ses comparses saxophonistes Sophie Alour, Géraldine Laurent, Céline Bonacina, Camille Maussion , le batteur Guillaume Lantonnet et le bassiste Thimothée Robert. Solaxis se produira au festival Jazz sous les Pommiers de Coutances en mai 2023.

En parallèle de ces activités, dans un souci de transmission et dans le but de créer du lien social entre artistes et jeunes en difficulté, elle est depuis 2007 directrice musicale de l'association « Les Petits Riens », qui vise à faire découvrir la musique, la danse et le théâtre à de jeunes élèves des collèges difficiles du 19^e arrondissement à Paris.

En 2022, Lisa Cat-Berro est nommée Chevalier des Arts et des Lettres par la Ministre de la Culture Madame Roselyne Bachelot.

Julie Saury

Julie Saury, née le 16 août 1972 à Paris, est un nom synonyme de swing et de jazz. Imprégnée d'un environnement musicalement enrichi dès son plus jeune âge, Julie était destinée à embrasser le rythme du jazz. Son père, Maxim Saury, une figure renommée du jazz de la Nouvelle-Orléans à Paris, l'a profondément influencée, insufflant une passion pour le jazz qui façonnerait sa carrière illustre.

Le parcours musical de Julie a commencé avec le piano, un instrument qu'elle a appris dans son enfance. Cependant, elle a rapidement découvert sa véritable passion pour les percussions. La batterie offrait une sortie dynamique et expressive qui la captivait d'une manière que le piano ne pouvait jamais.
Pour affiner ses compétences, Julie a poursuivi une formation musicale formelle à l'IACP prestigieux à Paris. Sa soif de connaissance l'a menée au Conservatoire de Nancy et finalement au Drummer's Collective à New York, où elle s'est formée sous des mentors renommés tels que Kim Plainfield, Adriano Santos et Ian Froman.

Collaborations Musicales Diverses
La polyvalence de Julie est mise en valeur par son profond appréciation pour la musique latine. Elle a rejoint le collectif entièrement féminin “Rumbananas”, se produisant aux côtés de musiciens notables comme Sophie Alour et Airelle Besson. Son implication dans ce groupe a suscité un intérêt durable pour les rythmes latins, incitant des collaborations avec des artistes éminents tels qu'Orlando Poleo et Felipe Cabrera.
Au début des années 2000, la carrière de Julie a pris un tournant significatif lorsqu'elle a rejoint le nouveau trio de Philippe Milanta avec Bruno Rousselet. Cette section rythmique cohésive est devenue une partie intégrante du Duke Orchestra, dirigé par Laurent Mignard. De plus, Julie est un membre régulier du Lady Quartet de Rhoda Scott, où son style distinctif améliore les performances du groupe.
Sa liste étendue de collaborations inclut des travaux avec Spanky Wilson, Sarah Morrow, Aurore Voilqué, Nicolle Rochelle, Julien Brunetaud dans le duo “Nikki & Jules”, et le Women of the World Jazz Band avec Cynthia Sayer.

Julie Saury Performances et Projets Notables

La carrière de Julie est marquée par de nombreuses performances notables. Elle a partagé la scène avec des artistes légendaires comme Spanky Wilson et Sarah Morrow, ajoutant sa touche unique à leur musique. Sa participation au Women of the World Jazz Band a encore solidifié sa réputation en tant que batteuse polyvalente et accomplie.

Dans le Grand Orchestre du Splendid, Julie a travaillé en étroite collaboration avec Gérard Naulet, contribuant de manière significative à la touche latine distinctive de l'orchestre. Sa capacité à mélanger harmonieusement différentes influences musicales témoigne de son talent et de sa créativité.

Malgré le fait de tracer son propre chemin, Julie ressentait un besoin profond d'honorer l'héritage de son père. Cette inspiration a culminé dans son premier projet véritablement personnel, “For Maxim” (Black & Blue). L'album est un hommage sincère à Maxim Saury, reflétant les propres sensibilités de Julie tout en rendant hommage à la musique que son père aimait. À travers ce projet, elle relie son histoire personnelle à son parcours professionnel, créant un pont entre le passé et le présent.

Trio Cavalcade - Musiques du Monde

Les musicales de la Vallée-aux-loups — 2025-02-10T07:48:15Z

À LA CROISÉE DES MUSIQUES DU MONDE

Mathias Duplessy guitare, morin khuur et chant
Jérémy Jouve guitare
Prabhu Edouard percussions indiennes

Deux personnalités emblématiques du monde de la guitare tissent des ponts entre différents univers musicaux parmi les plus évocateurs. En compagnie d'un des plus grands joueurs indiens de tabla, d'une vélocité purement époustouflante, leurs compositions se nourrissent des musiques d'Espagne, du Brésil, de l'Inde… mais aussi des trésors de la musique classique savante ! Une ivresse musicale qui défie les frontières… et un paysage imaginaire quelque part entre les steppes d'Asie Centrale, les rivages méditerranéens ou encore les terres d'Europe orientale.

Les artistes

Prabhu Edouard

Un des joueurs de tabla les plus éclectiques de sa génération, ce disciple émérite du célèbre maestro Shankar Ghosh a accompagné les grands noms de la musique indienne dont Hariprasad Chaurasia, Laxmi Shankar,V.G.Jog, Ashish Khan, T.V.Gopalakrishnan,T.Vishwanathan, Shashank, Rohini Bhate, Rajendra Gangani, Astad Debu…

Musicien nomade et expérimentateur passionné il a collaboré avec les personnalités telles que Jordi Savall, Joachim Kühn, Jeff Mills, Alim Kasimov, Nguyen Lê, Renaud Garcia-Fons, Louis Sclavis, Magic Malik, Moriba Koïta, Saïd Shraïbi, Jamchid Chemirani, J.P.Drouet, Kudsi Erguner…

Son premier album en tant que leader « KÔLAM » donne à entendre sa vision innovante et contemporaine de la musique indienne.

Concertiste réputé, Prabhu est aussi un pédagogue expérimenté qui se consacre à la transmission de son art au cours de séminaires et master-classes internationaux.

Mathias Duplessis

guitare

Musicien autodidacte, Mathias compose sur sa guitare depuis l'âge de 6 ans. Dans son jeune âge, il se passionne d'abord pour la musique classique, et plus particulièrement pour Ravel, son intarissable source d'inspiration. S'en suit la découverte du jazz, Miles Davis, John Coltrane, résonnent dans son walkman sur le trajet de l'école.

Il s'envole du nid familial à 18 ans et très vite, accompagne sur scène les grands noms de la World Music parisienne… Il séjourne régulièrement à Grenade, où il s'initie au flamenco parmi les gitans. Il y développe et invente des techniques particulières à la main droite (rasaguedo) dont il se servira sur scène ou dans ses compositions.

Amoureux des musiques traditionnelles il apprend à jouer des instruments venus des quatre coins du monde… Morin khuur, Igil, vièles, guimbarde, berimbao, flûtes et percussions en tous genre, saz, oud, banjo peuplent son studio d'enregistrement, et nourrissent ses orchestrations. Mathias se plaît à détourner, mélanger, réinventer l'univers artistique de ces instruments loin des sentiers de leurs origines en y superposant sa voix tantôt voluptueuse, tantôt diphonique.

Mathias est aussi cinéphile, il compose régulièrement pour des films, des documentaires (Prix UCMF2020), et réalise lui même tous ses clips. En 2014, la musique qu'il compose pour le film indien Finding Fanny, obtient deux nominations pour meilleur background score (Film fair award & Radio mirchi award). Son œuvre est particulièrement marquée par les compositeurs des années 60 et 70 tel Nino Rota, Ennio Morricone, Michel Legrand ou Vladimir Cosma…

En 2011 Mathias fait la rencontre de Jérémy Jouve qui deviendra très vite l'ambassadeur de ses pièces pour guitare classique, aujourd'hui jouées par les plus grands solistes internationaux.

Insatiable, curieux, Mathias Duplessy n'a eu de cesse de diversifier ses sources d'inspiration, et de collaborer avec des artistes de toutes les traditions, abolissant ainsi les frontières des genres, pour aboutir à un style sans pareil.

Jérémy Jouve

Jérémy Jouve a suivi sa formation musicale en France, auprès de grands maîtres de la guitare tels Eric Franceries, Alberto Ponce, Roland Dyens. Il est diplomé de l'école Normale de musique de Paris, du CNSMDP où il obtient les DFS de guitare et de musique de chambre. Sélectionné parmi les plus brillants musiciens du Conservatoire pour intégrer le cursus de perfectionnement, il choisit de l'accomplir auprès du hautboïste solo de l'Ensemble Intercontemporain Laszlo Hadady.

Guitariste précoce, il interprète à l'âge de 10 ans un concerto de Vivaldi avec l'orchestre de Chambéry, et remporte dans la foulée plusieurs prix de concours nationaux.

Par la suite installé à Paris, sa carrière prend une dimension internationale : il remporte plusieurs prix de concours internationaux dont le premier prix du prestigieux Concours International de Guitare GFA / Guitar Foundation of America (Mexique, 2003), ainsi que le premier prix du Concours International de Guitare de Tychy (Pologne, 2002).

Il effectue l'année suivante une tournée d'une quarantaine de concerts aux USA, Canada et Mexique. Depuis, il se produit sur les plus grandes scènes musicales dans le monde : la salle Tchaikowsky de Moscou, le festival de guitare d'Iserlhon en Allemagne, le festival de musique de Radio France à Montpellier, le festival de guitare de Saltillo au Mexique, la salle de concert de la Bibliothèque Luis Ángel Arango à Bogota en Colombie, et autres scènes d'Inde, de Singapour, Grande Bretagne, Grèce, Espagne, …

Il enregistre son premier CD solo pour le label Naxos en 2004 (Naxos 8.557597), suivi des premier et second volumes des œuvres pour guitare seule de Joaquin Rodrigo en 2008 et 2013 (Naxos 8.570286 et Naxos 8.572984).

En 2010, la compagnie américaine Melbay publie un DVD d'un concert enregistré live en France (22060DVD). C'est en 2012 que sort son CD enregistré en duo avec la flutiste Viviana Guzman, pour le label Reference Recording (RR-128HDCD).

Musicien ouvert à tous les styles, avide de rencontres musicales, il se produit également en musique de chambre et développe sa collaboration avec des compositeurs pour la création de répertoire.

Sa justesse, sa brillance et sa profondeur de jeu exceptionnelle, font de Jérémy Jouve un immense artiste.

100 ans de Jazz

Les musicales de la Vallée-aux-loups — 2025-02-08T09:00:00Z

RT Jouaville violon
Fédia Amice guitare
Latyr Boye contrebasse

Trois jeunes créateurs au service des plus belles écoles du jazz et réuni à l'occasion de la sortie de leur premier album en trio ! De plus en plus prisés sur les grandes scènes internationales des musiques actuelles, ces jeunes virtuoses maîtrisent à la perfec6on les répertoires de Charlie Parker, Monk, Coltrane, Mingus… ou encore Bernstein dans le style de Django (!) sans oublier leurs compositions originales, plus savoureuses les unes que les autres et ponctuées de chorus aussi diaboliques qu'inventifs !

Les Artistes

Fedia Amice

Né en 2000, Fédia Amice est un jeune guitariste de jazz, reconnu pour ses talents d'improvisateur, de compositeur et de sideman. Il a initié et accompagné de nombreux projets en France et en Suisse tels que Prism', l'Amice-Öster-Ghirotto Trio, les concerts manouches d'Alba Obert ou encore Prologue. Formé à la HEMU de Lausanne, au CRR de Paris, de Metz et au CRD de Gap, il a su se libérer des contraintes de l'enseignement pour se consacrer pleinement à ses projets et à ses recherches musicales personnelles.

Fédia Amice réside aujourd'hui à Paris et se produit sur les scènes de la Bellevilloise, du Sunset, du Piano Vache, de l'Apostrophe, du 38riv, du Monk, dans les festivals du Gresivaudan, de la Baule, de Versailles, aux côtés de musiciens tels que Pierre Lapprand, Sébastien Giniaux, William Brunard, Aurore Voilqué, Mathieu Châtelain, Édouard Pennes, Banz Oester, Antoine Brochot, Mathieu Schneider et bien d'autres. Il collabore également avec la chanteuse Anaëlle Trumka, aux côtés d'Antoine Boyer et de Julien Cattiaux, pour son prochain album.

Sa maîtrise technique, son sens aigu de l'improvisation et sa passion pour le jazz et les musiques improvisées font de Fédia Amice un guitariste de jazz à suivre de près.

RT Jouaville

Raphaël-Tristan Jouaville est un violoniste et compositeur français établi à Paris. En 2001, il est admis au conservatoire de Toulouse dans la classe de la concertiste internationale, Clara Cernat. Il joue deux ans de suite en tant que violoniste de l'orchestre du festival Jazz in Marciac, ce qui va lui permettre de partager la scène avec des artistes de jazz de premier plan tel que, Milton Nacimiento, André Ceccarelli, Baptiste Trotignon, Ambrose Akinmusire, les frères Belmondo. Raphaël-Tristan Jouaville commence un cursus de composition au conservatoire de Toulouse à partir de 2012, avec Bertrand Dubedout et Guy-Olivier Ferla.

En 2018, il remporte, avec son groupe La Verdine, le concours du Festival Django Reinhardt qui lui permet de partager l'année suivante la grande scène du festival avec Tom Misch, Cyrille Aymée.

Raphaël-Tristan obtient en 2019, une maîtrise de composition de l'Université McGill dans la classe de Philippe Leroux. Il fait actuellement partie de plusieurs formations, le Benjamin Bobenrieth Quintet qui sort sont deuxième album sur le label Laborie Jazz (Anne Pacéo, Leila Martial...), il joue avec le quartet de Simba Baumgartner, descendant de Django Reinhardt et le Melkoni Project avec Gwen Cahue et Louise Perret.

Engagé dans un travail de composition Raphaël-Tristan prépare un album de jazz-contemporain aux sonorités avant-gardistes et électroniques.

Latyr Boye

Latyr Boye débute la contrebasse au Conservatoire à Rayonnement Régional de Poitiers auprès Jean-Baptiste Pelletier, parallèlement à des études de philosophie. Un an après l'obtention de son DNOP, il est invité en tant que soliste pour interpréter le concerto de Koussevitzky, accompagné par l'orchestre du CRR de Poitiers. Après un perfectionnement avec Stanislas Kuchinsky, il intègre la Haute Ecole de Musique de Genève, dans la classe d'Alberto Bocini.

Depuis plusieurs années, il est le contrebassiste de l'orchestre de chambre ¡ Figaro Si, Figaro Là ! , spécialisé dans l'art lyrique, avec lequel il effectue de nombreuses tournées en France et à l'étranger. Il fait également partie de la Camerata Ataremac, qui met régulièrement à l'honneur des créations contemporaines.
Très ouvert sur les projets transdisciplinaires, il crée en 2018 le spectacle CORE avec la danseuse Adèle Diridollou, pour lequel il écrit et interprète la musique. Il compose et improvise pour le théâtre, et est invité à jouer au sein du Festival de théâtre de Blaye et de l'Estuaire. Il se produit aussi régulièrement au sein de formations de jazz et musiques improvisées.

Ciné-concert Charlot s'amuse

Les musicales de la Vallée-aux-loups — 2025-02-08T08:00:00Z

Le vagabond le plus célèbre de l'histoire du cinéma mène la belle vie dans ce programme inédit composé de Charlot au music-hall (A Night in the Show), Charlot et le comte (The Count) et Charlot fait une cure (The Cure).

Les Artistes

Karim Gherbi - Back Light TRIO

Karim Gherbi contrebasse
Jean Baptiste Laya guitare
Philippe Soirat batterie

Jazz et cinéma. A travers ces deux expressions contemporaines, Back Light Trio a trouvé un territoire de prédilection. Depuis plusieurs années déjà, il compose pour le cinéma muet en partenariat avec l'ADRC. Ce travail lui a permis de faire revivre la magie des grands films du répertoire (« Journal d'une jeune fille perdue » de W.Pabst, « Au bonheur des dames de J. Duvivier » ou encore quelques puissantes comédies dont Buster Keaton ou Charlot sont les héros...). Le cinéma devient un lieu de spectacle vivant.

Loco Cello

Les musicales de la Vallée-aux-loups — 2025-02-07T15:30:00Z

MIRAGES CLASSIQUE|JAZZ|CRÉATIONS
François Salque violoncelle
Samuel Strouk guitare
Jérémie Arranger contrebasse

Après le succès de leurs deux précédents albums, dont « Tangorom » en compagnie de Biréli Lagrène, et près de deux cents concerts en France et à l'étranger, ces musiciens créent à nouveau, pour leur troisième disque à paraître prochainement, une symbiose magique entre plusieurs mondes dans de fantas6ques cascades sonores évocatrices !

« Une musique à la croisée des chemins entre écriture et improvisation, langage rythmique et rubato, jazz et musique classique » Télérama

« Tout simplement phénoménal » Citizen jazz

Les artistes

Jérémie Arranger

Jérémie ARRANGER commence l'apprentissage de la contrebasse à l'age de 18 ans, principalement en autodidacte puis au sein des classes de jazz du CNR d'Aubervilliers-la-Courneuve et du conservatoire du 5^e arrondissement de Paris, avec des professeurs tels que Claude Mouton, Claude Terranova, Hervé Verdier, David Patrois....

Très vite intéressé par le jazz, les musiques improvisées et les musiques traditionnelles d'Europe de l'est, il s'oriente logiquement vers le jazz manouche et la musique de Django Reinhardt au début des années 2000.

C'est dans les jam sessions parisiennes qu'il fait ses armes et rencontre la génération émergente des musiciens du style, parmi lesquels il s'impose rapidement comme un des contrebassistes incontournables.

Aux côtés des guitaristes Adrien Moignard, Sébastien Giniaux, Noé Reinhardt, ou encore Rocky Gresset, il participe notamment à la création de projets comme l'ensemble ZAITI et SELMER 607 qui font aujourd'hui figure de référence en la matière.

Ses qualités musicales font de lui un accompagnateur très demandé et de nombreux solistes de renom (Biréli Lagrène, Stochelo Rosenberg, Didier Lockwood, Romane, Angelo Debarre, Cyrille Aimée...) font régulièrement appel à lui, ce qui l'amène à se produire sur les scènes du monde entier.

A ce jour, Jérémie participe à divers projets musicaux dont le trio d'Adrien Moignard et le quartet LOCO CELLO aux côtés de François Salque. Il intervient également en milieu scolaire en tant que Dumiste au sein du conservatoire d'Alfortville et vient de créer un spectacle musical à destination des jeunes publics.

François Salque

violoncelle

Voir en ligne : Wikipedia

Diplômé de l'Université de Yale et du Conservatoire de Paris, François Salque est, très jeune, primé dans les concours internationaux (Genève, Tchaïkovsky, Munich, Rostropovitch, Rose...). « La sensibilité et la noblesse de son jeu » alliées à « un charisme et une virtuosité exceptionnelle » (Pierre Boulez) lui permet de remporter pas moins de dix premiers prix et autant de prix spéciaux. Ses concerts l'ont mené dans plus de quatre-vingts pays et ses disques en soliste et en musique de chambre en compagnie d'Emmanuel Pahud, Eric Le Sage, Alexandre Tharaud, ou plus récemment Claire-Marie Le Guay avec qui il partage aujourd'hui de nombreux récitals, ont été salués par la presse (Diapasons d'Or de l'année, Chocs du Monde de la Musique, 10 de Répertoire, Prix de l'académie Charles Cros, Victoires de la Musique, Palme d'Or de la BBC…).

Son engagement pour la musique de notre temps lui a valu des dédicaces de compositeurs contemporains tels que Thierry Escaich, Karol Beffa, Jean-Baptiste Robin, Nicolas Bacri, Jean-François Zygel, Jean-Frédéric Neuburger, Krystof Maratka, Bruno Mantovani… Il est également à l'origine de nombreuses créations mêlant inspirations contemporaines et musiques traditionnelles et enregistre plusieurs albums particulièrement originaux, notamment en duo avec l'accordéoniste de jazz Vincent Peirani ou avec son propre groupe « Loco cello » en compagnie du guitariste Samuel Strouk. La pédagogie tient également une grande importance dans sa vocation et il enseigne aujourd'hui le violoncelle à la Haute École de musique de Lausanne ainsi que la musique de chambre au Conservatoire de Paris (CNSM).

François Salque joue un magnifique violoncelle italien du 18^e siècle « Galliano » généreusement mis à sa disposition par Bernard Magrez. Son intelligence musicale, sa technique et son éclectisme en ont fait une personnalité incontournable du monde de la musique.

« Fantaisie et liberté. Son glorieux et maîtrise totale… Un Salque aux phrasés vibrants et intenses. » Diapason

« Un interprète particulièrement sensible qui interprète la musique de notre temps avec une grande intelligence » (Henry Dutilleux)

« Un souffle extraordinaire » Concerto.net

« Fantaisie et liberté. Son glorieux et maîtrise totale… Un Salque aux phrasés vibrants et intenses. » Diapason

« François Salque est impérial dans tout ce qu'il approche » Diapason

« François Salque montra une technique supérieure, une maîtrise et une qualité de son alliées au génie de l'interprétation qui en fait l'un des plus indiscutables musiciens actuels. » Jean-Guillaume Lebrun, Magazine En Concert (critique au Théâtre du Châtelet)

Samuel Strouk

Voir en ligne : http://www.samuel-strouk.com/

Né en 1980 et diplômé du Conservatoire Supérieur de Paris C.N.R. en guitare classique, Samuel Strouk a suivi un cursus d'harmonie, de contrepoint et de musique de chambre au C.N.R. de Montpellier. Au cours de nombreuses tournées et collaborations en Afrique de l'Ouest, à Cuba, au Pakistan en Inde et au Népal, il est au contact direct des musiques Mandingue, Cubaine, Hindoustanie et Soufi ce qui sera un élément déterminant dans son jeu et dans l'écriture musicale qu'il développe, à la lisère du jazz, des musiques improvisées actuelles et traditionnelles.

Son premier album intitulé Silent Walk est salué par la critique et témoigne d'une grande maturité musicale. “En silence ou non, les pas de ce musicien sont à suivre” – Franpi Barriaux Citizen Jazz. Pour cet album il s'est entouré d'amis et musiciens exceptionnels, Vincent Peirani, Diego Imbert, François Salque et Florent Pujuila et a formé un quintet inédit au service d'une musique qui abolit les frontières entre écriture et improvisation, entre jazz et musique classique.

Aux cotés notamment de Frank Rubio, Alexander Abreu, Rolando Luna, Thomas Ramon Ortiz et Yaroldi Abreu il participe au projet Carhabana, fusion inédite entre le Jazz Cubain et le Jazz Manouche. L'album Carhabana (Egrem) est nommé aux Victoires de la musique Cubaine « Cubadisco 2007 » et sera créé sur la scène du Gran Theatro Amadeo Jordan de la Havane.

En 2015, il est lauréat de la Mid Atlantic Arts Foundation pour son projet “BABEL Melody a dialogue of languages”. En 2016 il compose le double concerto pour violoncelle accordéon et orchestre, “Le rêve de Maya” commandé par l'orchestre Poitou-Charentes et créé la même année par François Salque et Vincent Peirani sous la direction de Jean-François Heisser. En 2017 il écrit et interprète son concerto pour guitare “Egalité” commandé par l'Orchestre Symphonique de Bretagne et créé à l'Opéra de Rennes sous la direction de Grant Llewellyn.

Orchestrateur et réalisateur, Samuel Strouk a collaboré à la réalisation de nombreux albums dont très récemment celui de l'accordéoniste Daniel Mille (Victoires du Jazz 2007) qui a fait appel à lui pour arranger, diriger et réaliser “Cierra tus ojos” (Sony Music – Masterworks) album en hommage à la musique d'Astor Piazzolla. Ses arrangements sont salués par la critique : “(…) arrangé et réalisé sous la direction musicale exemplaire de Samuel Strouk.” Le Monde, Patrick Labesse. “Le jeune et brillant Samuel Strouk a “millésimé” Piazzolla, si l'on peut dire. Opérant une analyse radicale des fulgurants contrechamps du maestro, détournant les attentes, déjouant les références …” Emmanuelle Honorin. Par la suite il est le directeur musical, l'arrangeur et le réalisateur du projet Trintignant Mille Piazzolla qui obtenue le Grand Prix de l'Académie Charles Cros 2018 (Sony Music – Masterworks)

Il était dernièrement soliste invité par la Philharmonie de Sofia. Projet pour lequel il a arrangé, dirigé et interprété un répertoire sur mesure alliant musique classique, jazz et tango.

Luthier Music Corporation basé à New York le sponsorise depuis 2008.

Les grands sextuors à cordes

Les musicales de la Vallée-aux-loups — 2025-02-07T08:13:00Z

Marie-Astrid Hulot violon - super-soliste de l'Orchestre National de Bordeaux
Chloé Roussev violon
Antonin Le Faure & Cassandra Teissedre alto
Jean-Baptiste Maizières & Maïa Xifaras violoncelles

TCHAÏKOVSKI Sextuor opus 70 « Souvenirs de Florence »
Et autres œuvres à découvrir de MOZART ET SCHUBERT !

Avec l'œuvre de musique de chambre la plus emblématique du dernier des grands romantiques russes, cette jeune équipe sélectionnée sur le volet nous offre une magnifique fresque où chaque note, chaque motif et chaque phrase musicale devient danse, chant et théâtre… sublimant toutes les facettes des transcendances humaines !

Entre intimité de la musique de chambre et textures orchestrales, le sextuor à cordes se révèle être une formation alliant souplesse et richesse, ayant fasciné de nombreux compositeurs phares du romantisme. Également au programme quelques bijoux de l'époque plus classique de Mozart et Schubert, trésors d'élégance et de pureté.

Les Artistes

Marie-Astrid Hulot

Née en 1997, Marie-Astrid Hulot débute le violon à 4 ans. Après des études au CRR de Paris dans la classe d'Annick Roussin, elle est admise au CNSM de Paris à 14 ans dans la classe d'Olivier Charlier. Elle y obtient son Master et entre ensuite à la Kronberg Academy dans la classe de Mihaela Martin en Professional Studies, où elle suit notamment des masterclasses avec Gidon Kremer, Christian Tetzlaff, Christoph Eschenbach ou Sir Andras Schiff. Parallèlement, elle réussit son Konzertexam à la Hochschule de Cologne avec distinction.
Marie-Astrid est lauréate de plusieurs concours internationaux, elle vient de remporter le 3^e prix au concours international de violon de printemps de Prague en mai 2024, et a été primée aux concours Carl Nielsen (2^e prix) et Zoltan Kodaly (3^e prix).

En 2021 lors de l'académie Ravel à Saint Jean de Luz, elle remporte le prix Maurice Ravel. Elle joue régulièrement en soliste avec orchestre et participe à des festivals en France et en Europe. Musicienne passionnée, elle se produit dans différentes formations de musique de chambre et aussi en orchestre en tant que Konzertmaster. Elle a réussi récemment le concours de violon supersoliste à l'orchestre de l'opéra de Bordeaux.

Marie-Astrid Hulot est lauréate de la fondation Banque Populaire depuis décembre 2018 et a été nommée révélation classique de l'Adami en 2019. Son premier disque consacré à des œuvres pour violon seul est sorti en 2015 pour le label Forgotten Records et a été salué par la critique.

Chloé Roussev

À seulement 19 ans, Chloé Roussev est l'invitée de nombreux festivals et lauréate de concours internationaux. Elle se produit en France, en Chine, aux États-Unis, en Autriche, en Bulgarie, en Belgique, en Argentine, et en Suisse.

Elle est admise en 2021 au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris, dans la classe de Stéphanie-Marie Degand, et se forme auprès de pédagogues et de solistes de premier plan : François Salque, Kirill Troussov, Michael Frischenshlager, Christian Altenburger, Tatiana Samouil, Amaury Coeytaux, Paul Roczek, Sergiu Schwartz, Krzystof Wegrzyn... Elle est Lauréate de plusieurs concours internationaux comme le Concours International Agustin Apònte, Concours Vatelot Rampal, Concours International Glazunov, Concours Grumiaux et de l'Académie Ravel…

Elle est invitée en tant que soliste et chambriste dans de nombreux festivals tels que le Festival des Voûtes Célestes, les Jeudi Musicaux de Royan, le Festival de Saint Lizier, à la fondation Giraud-Derouet, au festival Musical Océan, aux Rencontres Franco-Americaines, à la Salle Cortot, la Tour Eiffel, le Trianon Palace à Versailles, l'Orangerie du Parc de Bagatelle…

Elle se produit en soliste avec divers ensembles tel que les Spiritelli, et l'Orchestre Français des Jeunes Talents. Elle partage la scène avec des artistes reconnus dont Michel Lethiec, David Castro-Balbi, Aurélien Pontier, le Quatuor Akilone, Elena Rozanova, Francois Salque, Lorraine Campet…

Chloé Roussev joue un violon Andrea Castagneri de 1740.

Antonin Lefort

Antonin Le Faure commence l'alto à l'âge de sept ans, captivé par la palette de couleurs sonores de cet instrument. Son parcours musical le conduit au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris (CNSMDP), où il étudie auprès de Pierre-Henri Xuereb et Jean Sulem, avant de poursuivre sa formation à la Haute École de Musique (HEMU) Vaud-Valais-Fribourg à Sion sous la direction de Tatjana Masurenko et Timothy Ridout. Il bénéficie également des conseils de musiciens renommés tels que Nobuko Imai, Garth Knox et Gérard Caussé.

Lauréat de nombreuses distinctions, notamment le 1^er prix du concours Jeunes Solistes de la Sorbonne et le Grand Prix CIC-Michel Lucas, Antonin est notamment honoré par la Fondation Maurice Ravel et par le Prix Berthier de l'Association des Membres de l'Ordre des Palmes Académiques (AMOPA). Son talent est mis en valeur et est soutenu par la Fondation Meyer et la Fondation Société Générale, témoignant ainsi de sa sensibilité musicale exceptionnelle et de sa maîtrise technique.

Ces distinctions le conduisent à se produire dans des festivals renommés en France et à l'étranger, parmi lesquels le Festival Messiaen à La Meije, l'Encuentro de Santander en Espagne et le Stellenbosch Chamber Music Festival en Afrique du Sud. Passionné de musique de chambre, Antonin collabore avec des ensembles et artistes de renom tels que le Trio Metral, le Trio Pantoum, Pierre et Théo Fouchenneret, François Salque, Jean-Claude Van den Eyden, ainsi que les Quatuors Elmire et Tana. En 2020, il a fondé le Quatuor Stendhal, qui connaît un rayonnement en France, dans les territoires d'outre-mer et à l'international. Il est également directeur artistique du Festival Corde è Anima en Cap Corse, où il s'engage à rendre la musique accessible à tous.

Antonin défend activement le répertoire contemporain et collabore avec des compositeurs tels que Kaija Saariaho, Olga Neuwirth, Heinz Holliger et Philippe Hersant. Sa participation au Festival de Lucerne (2014-2016) lui a permis de travailler avec des chefs d'orchestre tels que Sir Simon Rattle et Riccardo Chailly, approfondissant ainsi sa passion pour la création et l'exploration sonore. Il a créé plusieurs œuvres, dont le Concerto pour alto Libro d'Estate de Giovanni Bertelli. Dans son exploration de nouveaux horizons sonores, Antonin intègre la viole d'amour et l'alto baroque à ses projets, créant des passerelles entre musique ancienne et moderne. Sa passion pour les transversalités artistiques se reflète dans des programmes innovants tels qu'Alto-Portrait(s), qui explore les liens entre littérature, musique et arts visuels, et L'Alto Dégénéré, un hommage aux compositeurs réduits au silence et bannis par des régimes oppressifs. En 2025, avec le soutien de la Fondation Givel, il sortira son premier album, L'Alto Lémanique, dédié aux œuvres de compositeurs suisses des XXᵉ et XXIᵉ siècles.

Animé par un profond désir de partager et d'inspirer, Antonin aborde chaque projet avec enthousiasme, convaincu du pouvoir transformateur de la musique pour élargir les perspectives et créer des connexions significatives.

Cassandra Teissedre

Cassandra Teissedre, née en 2002 a commencé l'alto à l'âge de 6 ans. Elle étudie actuellement au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris dans les classes de Pierre-Henri Xuereb, Louis Fima et Nicolas Bône.

Passionnée d'orchestre, elle est alto solo à l'Orchestre Français des Jeunes en 2023 et est sélectionnée comme académicienne au sein de l'Orchestre de Paris, l'Orchestre Philharmonique de Radio-France, l'Orchestre National d'Île-de-France et l'ensemble Le Balcon.

Depuis 2016, elle apprend le violon en parallèle de l'alto. D'abord en autodidacte jusqu'en 2019, elle a pu rentrer cette même année au CRR d'Aubervilliers où elle obtient trois ans plus tard son DEM mention Très Bien à l'unanimité. Elle effectue un cycle CPES au CRR de Paris de 2022 à 2024 dans la classe d'Arielle Gill.
En 2023, elle est diplômée d'une Licence de Musicologie à l'Université Paris-Sorbonne IV.

Elle est lauréate de plusieurs concours internationaux, dont un 1^er prix au Concours International Léopold Bellan en 2021.

Ayant participé à des académies internationales telles que les Écoles d'Arts Américaines de Fontainebleau et la Carl Flesch Academy en Allemagne durant laquelle elle a pu se produire en soliste avec l'Orchestre Philharmonique de Baden-Baden, elle a pour projet de s'enrichir de nouvelles expériences et de continuer ses études à l'étranger.

Son envie de mentorer de jeunes musiciens la pousse à être tutrice au sein des orchestres Démos pour la saison 2023/2024.

Elle reçoit entre autres les conseils de Gérard Caussé, Sarah Nemtanu, Diemut Poppen, Jon Dahlkvist et François Salque.

En 2024, elle est lauréate de la bourse de l'association des membres de l'ordre des palmes académiques (AMOPA).

Jean-Baptiste Maizières

Jean-Baptiste Maizieres est né le 9 Juin 1997. Il a débuté le violoncelle à cinq ans avec François Baduel et a été diplômé du Conservatoire d'Aix en Provence à seulement 13 ans en violoncelle et musique de chambre. Il a poursuivi ses études auprès de Roland Pidoux puis est rentré au CNSM de Paris à 15 ans dans la classe de Marc Coppey. En Avril 2015, il a été sélectionné au Festival de Pâques d'Aix en Provence par Renaud Capuçon pour son parcours exceptionnel et a reçu de la part du CIC un violoncelle réalisé par Pierre Barthel sur le modèle du Goffriler d'Ophélie Gaillard. En Mai 2016, à 18 ans il a obtenu sa Licence au CNSM de Paris. En septembre 2016 il est rentré dans la classe de Jerôme Pernoo avec qui il a obtenu son master en juin 2018. Il est actuellement en DAI (Diplôme d'Artiste Interprète) au CNSM de Paris avec ce dernier.

Il a travaillé avec de nombreux grands violoncellistes comme David Geringas, Jens-Peter Maintz, Gautier Capuçon, Sol Gabetta et Julian Steckel. Il se produit régulièrement dans de nombreux festivals comme le festival de Pâques d'Aix en Provence, le centre de musique de chambre de Paris, la cello biennale d'Amsterdam, le festival Super cello à Pekin… De plus il a eu la chance de partager la scène avec de nombreux grands artistes tels que Renaud Capuçon, Jérôme Pernoo, Ophélie Gaillard et David Kadouch.

Maia Xifaras

Maïa Xifaras débute le violoncelle à l'âge de 5 ans à l'école Suzuki. A 8 ans elle est admise au Conservatoire à Rayonnement Régional de Paris dans la classe de Marcel Bardon puis de Thomas Duran. Elle entre par la suite dans la classe de Matthieu Lejeune au CRR de Saint-Maur-des-Fossés où elle obtient ses prix de violoncelle et de musique de chambre avec les plus hautes distinctions. Elle intègre en 2019 l'orchestre Ostinato et en 2020 la classe de François Salque à la Haute École de Musique de Lausanne.

Parallèlement, elle bénéficie des conseils de Emmanuelle Bertrand, Jérôme Pernoo, Yvan Chiffoleau, Raphaël Pidoux, Annie Cochet, Stephan Forck, Xavier Phillips.

Durant ses années passées au CRR de Paris, elle suit également un cursus de formation musicale dans la classe de Jean Paul Despax, et obtient son prix en 2017 à l'unanimité du jury.

Triple concert de piano

Les musicales de la Vallée-aux-loups — 2025-02-06T08:58:00Z

19h PIANO À QUATRE MAINS !
MARIE-JOSÈPHE JUDE & MICHEL BEROFF
SCHUBERT Fantaisie en fa m D.940
BRAHMS 3 danses hongroises
DVORÁK 2 danses slaves opus 72
RAVEL Rhapsodie espagnole

Pianistes émérites, Marie-Josèphe Jude et Michel Béroff forment un couple de musiciens dont le charisme et l'intelligence musicale ont illuminé les plus grandes scènes mondiales. Ce concert à quatre mains leur permet d'explorer toute la richesse musicale des grands pianos de concert Steinway.

Au cœur de cette soirée, la Fantaisie en fa mineur de Schubert se distingue par son intensité émotionnelle et sa sensibilité à fleur de peau. Les Danses Hongroises de Brahms et les Danses slaves de Dvořák, quant à elles, allient virtuosité et explosions folkloriques dans un tourbillon de joie et d'exubérance. Le programme est couronné par un joyau de Maurice Ravel, la Rhapsodie espagnole, joyau de lyrisme et de luminosité !

« Une osmose parfaite, une harmonieuse connivence (…) pour aller à l'essentiel de la musique. » Opus HD

20h20 THÉO FOUCHENNERET
Wolfgang Amadeus MOZART Sonate nº17 en mi bémol majeur KV570
Frédéric CHOPIN 4 Ballades

Une étoile montante du piano face aux chefs-d'œuvre du répertoire

Lauréat du prestigieux Concours de Genève en 2018, nommé aux Victoires de la Musique classique dans la foulée, Théo Fouchenneret s'affirme comme l'une des étoiles montantes du piano français. Il nous invite à un programme tout en maturité et en profondeur, rendant hommage à deux des plus grands compositeurs : Mozart et Chopin.

Achevée par Mozart en 1789, deux ans avant sa mort, la Sonate pour piano n°17 séduit par sa luminosité, son élégance, ses architectures magistrales. Un demi-siècle plus tard, les Quatre Ballades de Chopin, composées entre 1831 et 1842, laissent libre cours à l'expressivité romantique : entre rêverie évocatrice, envolées lyriques, mélancolie et allégresse, elles requièrent de la part de l'interprète autant de technique et d'engagement que de sensibilité. Un défi taillé sur mesure pour Théo Fouchenneret dans un programme où maturité et engagement dialoguent avec une rare profondeur.

« Théo Fouchenneret joue, avec une grande maîtrise, de la résonance et de la matière sonore. (…) C'est magistral. » Diapason, 2022

21h45 PASCAL AMOYEL « LE PIANISTE AUX 50 DOIGTS »
…ou l'incroyable destinée de György Cziffra
Pascal Amoyel pianiste et comédien
Œuvres de Liszt, Chopin, Schumann

Né en Hongrie en 1921, surnommé « le pianiste aux cinquante doigts », véritable « réincarna6on de Franz Liszt », György Cziffra fut l'un des plus grands musiciens du 20^e siècle. C'est sans doute parce qu'il croisa sa route à l'âge de douze ans que Pascal Amoyel est lui aussi devenu un virtuose des scènes internationales.

Assis derrière son piano à queue ou virevoltant sur scène, avec polyvalence époustouflante, il lui rend un puissant hommage en évoquant avec intelligence et humour sa rencontre avec Cziffra et la vie incroyablement rocambolesque et tourmentée de ce dernier. Il sublime également au piano les plus beaux chefs-d'œuvre de Liszt, de Chopin ou de Schumann qu'affectionnait son mentor…

On est éblouis par sa sincérité, sa culture, sa pertinence et par l'amplitude de ses talents musicaux : un spectacle profondément émouvant !

« L'amour de la musique irradie de ce spectacle tout entier dédié au piano. » France Info, 2023

Les Artistes

Marie-Josèphe Jude

Née d'un père français et d'une mère sino-vietnamienne, c'est au Conservatoire de Nice que Marie-Josèphe JUDE commence ses études musicales. Elle y reçoit une double formation de piano et de harpe.

Artiste précoce, elle entre à l'âge de 13 ans au CNSMD de Paris en piano dans la classe d'Aldo Ciccolini. Elle y obtient ses premiers prix de piano et de musique de chambre 3 ans plus tard, ainsi qu'une licence de concert de l'École Normale de musique de Paris, en harpe. Elle décide alors de partir à Londres pour se perfectionner auprès de Maria Curcio, grande pédagogue, disciple d'Arthur Schnabel.

Longtemps double instrumentiste, le choix du piano s'impose : elle est Lauréate du Concours International Clara Haskil de Vevey en 1989 et Victoire de la Musique en 1995.

Sa carrière de soliste la mène dès lors dans les salles et festivals du monde entier, de Montpellier à Bath, de la Roque d'Anthéron à Kuhmo, de Bagatelle à Locarno.

Chambriste confirmée, elle a partagé la scène durant de nombreuses années avec Laurent Korcia, Michel Portal, et retrouve régulièrement Xavier Phillips, Jean-Marc Phillips, Marc Coppey, Philippe Graffin, Gary Hoffmann, Stéphanie-Marie Degand, Mireille Delunsch, Delphine Haidan… Elle a également parcouru quasiment tout le répertoire à 2 pianos et 4 mains, en compagnie de Jean-François Heisser, Brigitte Engerer, Claire Désert, Elena Rozanova, Charles Heisser et Michel Béroff.

Au printemps 2024, elle a donné deux créations mondiales :
• Seventh Avenue, pièce pour piano solo de Christian Lauba (en avril à Bordeaux)
• le 2^e concerto d'Omar Yagoubi avec l'Orchestre de Douai dirigé par Arie van Beek (3 concerts au Touquet, Arras et Douai, au mois de mai).

Sa discographie est essentiellement consacrée aux œuvres de Brahms mais elle a également enregistré Beethoven, Mendelssohn, Dutilleux… ainsi qu'un CD consacré aux « Flûte transcriptions », avec Raquele Magalhães. Deux nouveaux CDs vont sortir en 2025 : l'un avec Michel Béroff, l'autre avec le Quatuor Ellipsos.

Depuis toujours, Marie-Josèphe JUDE se consacre à l'enseignement : après avoir été professeure au CNSMD de Lyon, elle est nommée au Conservatoire National Supérieur de musique de Paris en 2016.

Présidente et directrice artistique de l'Académie Internationale d'été de Nice depuis 2017, Marie-Josèphe JUDE a été nommée Chevalier de la Légion d'Honneur en juillet 2021 et Officier dans l'ordre des Arts et des Lettres en 2024.

Michel Béroff

Michel Béroff a commencé ses études de piano au Conservatoire de Nancy, dont il obtient le 1^er prix de piano en 1962 puis le Prix d'excellence en 1963. Il intègre ensuite la classe d'Yvonne Loriod puis celle de Pierre Sancan au Conservatoire de Paris (CNSM). En 1966 il obtient le 1^er prix du CNSM et se distingue une nouvelle fois l'année suivante en recevant le 1^er prix du premier Concours International de Piano Olivier Messiaen à Royan en 1967.

Il devient l'un des plus importants interprètes du compositeur Olivier Messiaen. Son répertoire compte également de nombreuses œuvres de Beethoven, Bartók, Brahms, Debussy, Mozart, Moussorgski, Prokofiev, Schubert, Stravinsky et Schumann.

En 1967, il fait ses débuts en récital à Paris puis entame une brillante carrière l'amenant à collaborer avec de grands chefs d'orchestre : Claudio Abbado, Daniel Barenboim, Leonard Bernstein, Pierre Boulez, Charles Dutoit, Christoph Eschenbach, Kurt Masur, Seiji Ozawa, Andre Previn, Mstislav Rostropovich, Michael Tilson Thomas et d'autres. Il se produit également aux côtés d'interprètes tels que Pierre Amoyal, Martha Argerich, Jean-Philippe Collard, Augustin Dumay, Lynn Harrell et Barbara Hendricks.

Il se produit en concert dans de nombreux pays, en tournée au Japon, en Grande-Bretagne, en Espagne, en France, en Grèce, puis aux États-Unis, en Allemagne, en Hollande, en Suède, en Finlande, au Portugal, au Brésil et en Corée. En 2006 il est sollicité par le télévision japonais pour donner quinze master classes sur la musique française.

Michel Béroff a enregistré de nombreuses œuvres de Liszt, Prokofiev, Stravinsky, Bartók, Brahms, Debussy, Messiaen, Schumann et Schubert. Il est artiste exclusif depuis plus de vingt ans chez EMI, il enregistre aussi pour Deutsche Grammophon et Denon.

En plus de sa carrière de soliste, Michel Béroff est chef d'orchestre et enseigne la direction d'orchestre au CNSM depuis 1989. Il est également professeur à la Musikhochschule de Fribourg (Allemagne) depuis 1994.

Théo Fouchenneret

Théo Fouchenneret remporte le premier prix du Concours international de Genève en novembre 2018 avant d'être nommé « révélation soliste instrumental » aux Victoires de la Musique Classique. La même année il remporte le 1^er prix ainsi que cinq prix spéciaux au Concours international de musique de chambre de Lyon.

Applaudi par de grandes salles et festivals internationaux, il se produit également avec des musiciens internationalement reconnus : Victor Julien-Laferrière, Renaud Capuçon, François Salque, Lise Berthaud, Svetlin Roussev…

En mars 2020 est paru son premier disque solo chez la Dolce Volta, enregistrement consacré aux grandes sonates Waldstein et Hammerklavier de Beethoven. Théo est à l'initiative du projet d'enregistrement de l'intégrale de la musique de chambre de Robert Schumann, qui a débuté en 2023, aux côtés de son frère Pierre Fouchenneret.

Son nouveau disque consacré aux Nocturnes de Gabriel Fauré est paru le 6 septembre 2024 chez le label La Dolce Volta. Il est déjà salué par la critique (Revue Pianiste, 5 étoiles Diapason), et est couronné d'un Choc Classica.
Théo est artiste résident à la Fondation Singer-Polignac, et lauréat de la Fondation Banque Populaire.

« On est frappé par une présence et un son plein et intense. Rapidement, les contrastes nous saisissent. Fouchenneret nous convie à une véritable interprétation. » Diapason

Pascal Amoyel

Victoire de la Musique en 2005 dans la catégorie "Révélation Soliste Instrumental de l'année", Pascal Amoyel est récompensé en 2010 par un Grand Prix du Disque à Varsovie par la prestigieuse Société Chopin pour son intégrale des Nocturnes de Chopin aux côtés de Martha Argerich et de Nelson Freire, enregistrement qualifié de "miracle que l'on n'osait plus espérer, qu'on écoute bouche bée par tant de beauté" par la revue Classica. Son interprétation des Funérailles de Liszt a également été saluée comme l'une des références historiques, et ses Harmonies Poétiques et Religieuses de Liszt élues parmi les 5 meilleurs enregistrements de l'année 2007 par la chaîne Arte.

A 10 ans, lorsqu'il débute ses études de piano à l'Ecole Normale de Musique de Paris (classe de Marc André), il est vite remarqué par Georges Cziffra qu'il suit en France et en Hongrie. A 17 ans, après un baccalauréat scientifique, il décide de se consacrer entièrement à la musique. Parallèlement à ses études il se produit en improvisant dans les cabarets de Montmartre. Il obtient une Licence de concert à l'Ecole Normale de Paris, les Premiers Prix de Piano et de Musique de chambre au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris (classe de Jacques Rouvier et Pascal Devoyon), devient Lauréat des Fondations Menuhin et Cziffra, puis remporte le Premier Prix au Concours International des Jeunes Pianistes de Paris. Il reçoit également les conseils de Daniel Blumenthal, Aldo Ciccolini, Lazar Berman, Maria Curcio, Véra Gornostaeva, Dominique Merlet, Dériré N'Kaoua, Jacqueline Landowski, Lev Naoumov.

C'est le début d'une carrière internationale qui le conduit à se produire sur les plus grandes scènes : Philharmonie de Berlin, Muziekgebouw d'Amsterdam, Palais des Beaux-Arts de Bruxelles, Cité de la Musique et Salle Pleyel à Paris, Etats-Unis, Canada, Russie, Chine, Corée… et Festivals : La Roque d'Anthéron, Folles Journées à Nantes, à Tokyo, La Chaise Dieu, La Grange de Meslay...

Ses enregistrements seul ou avec la violoncelliste Emmanuelle Bertrand ont obtenu les plus hautes récompenses : Gramophone, Cannes Classical Awards, ffff de Télérama, Diapason d'Or de l'année, « Choc » du monde de la Musique, 10 de Classica, Grand Prix annuel de la critique allemande…

Compositeur, Pascal Amoyel est Lauréat de la Fondation d'Entreprise Banque Populaire. Il est notamment l'auteur du cycle Job, ou Dieu dans la tourmente et de Lettre à la femme aimée au sujet de la mort (sur des poèmes de Jean-Pierre Siméon).

Il s'investit aussi dans la création de nouvelles formes de concert : son spectacle Block 15, ou la musique en résistance (mise en scène Jean Piat) a été qualifié "de recherche très pure et touchante" par le metteur en scène Peter Brook et a fait l'objet d'une adaptation pour France Télévisions. Il a également écrit et créé les seuls en scène Le pianiste aux 50 doigts ou l'incroyable destinée de György Cziffra, Le jour où j'ai rencontré Franz Liszt, et Looking for Beethoven (mises en scène Christian Fromont) qui ont été joués à guichets fermés au festival d'Avignon et durant plusieurs mois au Théâtre Le Ranelagh à Paris, ainsi que le spectacle familial Une petite histoire de la grande musique. En tant que comédien, il a collaboré et a donné la réplique à Jean Piat, Francis Huster et Brigitte Fossey. Il a également créé "l'étrange concert" pour piano et magie, et donnera sa nouvelle création "Une leçon de piano avec Chopin" au Théâtre Le Ranelagh à partir de novembre 2024.

Professeur de piano et d'improvisation au CRR de Rueil-Malmaison et à Sciences Po, il a créé le Juniors Festival dont les enfants sont les acteurs, y compris ceux porteurs de handicaps. Il dirige le festival Notes d'automne qu'il a créé, et est le commanditaire de plus d'une soixantaine de créations (avec Jean-Pierre Marielle, Barbara Hendricks, Natalie Dessay, Eric-Emmanuel Schmitt, Raphaël Enthoven, Richard Bohringer, Anne Roumanoff, Jacques Gamblin, Patrick Bruel…). Il est aussi conseiller artistique de l'Estival de la Bâtie d'Urfé.

Il est l'auteur de l'ouvrage Si la musique t'était contée (bleu nuit), et a produit une série d'émissions sur France Culture intitulée "Une histoire de la musique". Premier Grand Prix Arts-Deux Magots récompensant "un musicien aux qualités d'ouverture et de générosité", Prix Jean-Pierre Bloch de la Licra pour "le rapport aux droits de l'homme dans son oeuvre", Médaille d'Or du rayonnement culturel de la Renaissance française, il est le parrain de l'association APTE, qui dispense des cours de musique à des enfants autistes.
Il a été élevé aux grades de Chevalier dans l'Ordre des Arts et des Lettres, Chevalier dans l'Ordre des Palmes Académiques et Chevalier dans l'Ordre National du Mérite.

Orchestre Ostinato

Les musicales de la Vallée-aux-loups — 2025-02-05T08:23:00Z

PIERRE FOUCHENNERET & L'ORCHESTRE OSTINATO

Jean-Sébastien BACH Concerto pour 2 violons en ré mineur (BWV1043)
Felix MENDELSSOHN Symphonie pour cordes nº10 en si mineur
Felix MENDELSSOHN Concerto pour violon et cordes nº1 en ré mineur MWV 03
Pablo de SARASATE Airs bohémiens pour violon et orchestre

Pierre Fouchenneret est un violoniste au jeu ciselé du plus beau lyrisme, qui a notamment enchanté les auditeurs des Musicales de la Vallée aux Loups en 2023 avec son interpréta6on des œuvres de Bach. Le voici de retour avec l'Orchestre Ostinato, véritable tremplin pour virtuoses : ces jeunes musiciens nous offriront un concert qui mettra à l'honneur Bach (1685-1750) et Mendelssohn (1809-1847). C'est grâce à Mendelssohn, chef d'orchestre, pianiste et véritable génie de la période romantique, que l'on redécouvrit la musique de Bach près de cent ans après la dispari6on du compositeur.

On entendra d'abord les célèbres concertos de ce dernier, qui exploitant toutes les ressources émotionnelles et polyphoniques du violon, avant de découvrir deux chefs-d'œuvre de Mendelssohn. Le concert se terminera par les irrésistibles Airs Bohémiens de Pablo de Sarasate : un feu d'artifices de timbres et de rythmes !

« Ostinato s'impose depuis longtemps comme une formation irremplaçable par sa motivation, sa souplesse et la qualité de ses prestations. » Concertclassic.com

Les Artistes

Orchestre Ostinato

Structure unique en France, l'Orchestre Ostinato est un « tremplin » pour de jeunes musiciens souhaitant devenir musiciens d'orchestre professionnel.

Co-fondé en 1997 par Jean-Luc Tingaud et Gilles Demonet, sous l'impulsion de Manuel Rosenthal, l'Orchestre Ostinato apporte à ses 80 jeunes instrumentistes une expérience spécifique du métier de musicien d'orchestre, dans une approche stylistique et exigeante. Il est le seul orchestre de jeunes à rémunérer ses musiciens, élèves des meilleurs conservatoires, les plaçant ainsi au plus près des conditions et exigences professionnelles et offrant l'accès à l'excellence quel que soit leur milieu social d'origine.

Aventure humaine et artistique, cet « orchestre-tremplin » offre à de talentueux artistes l'opportunité de vivre de manière concrète l'expérience de musiciens d'orchestre. L'Orchestre Ostinato donne entre 30 et 40 concerts par an dans des salles prestigieuses de la région parisienne, comme la Grande salle de la Philharmonie de Paris, le Théâtre des Champs-Elysées, le Théâtre du Châtelet, l'Amphithéâtre de l'Opéra de Paris ou encore le Palais des Congrès. Il a construit au cours des dernières années plusieurs partenariats artistiques exigeants, notamment avec l'Académie de l'Opéra national de Paris.

Pierre Fouchenneret

Pierre Fouchenneret est un violoniste niçois dont l'engagement touche autant ses activités de soliste et de chambriste. Il est reconnu pour son audace et sa vision du répertoire, et on a pu l'entendre notamment avec des orchestres tels que l'orchestre de la Suisse Romande, l'orchestre National de Bordeaux Aquitaine, le Philharmonique de Strasbourg ou encore l'orchestre symphonique de la Radio-télévision Irlandaise…

Dans la continuité de ces collaborations, Pierre partage la direction artistique de l'orchestre Ostinato qui soutient l'émergence par l'insertion professionnelle de jeunes talents issus des meilleurs conservatoires. Cette expérience plurielle et exigeante trouve un écho dans ses activités d'enseignant à la Haute Ecole de Musique Genève-Neuchâtel, où il occupe actuellement un poste de professeur de violon.

Ce sont des rencontres marquantes qui conduisent naturellement Pierre à la pédagogie. Enfant prodige, Pierre Fouchenneret commence ses études au Conservatoire à rayonnement régional de Nice dans la classe de Alain Babouchian et les termine à 16 ans au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris en musique de chambre et en violon dans les classes de Daria Hovora et Olivier Charlier, dont il deviendra l'assistant. Au sortir de ses études, de nombreuses distinctions engagent immédiatement Pierre vers une intense activité de concertiste.

Invité sur les scènes du monde entier, l'« archet hors norme » (Le Figaro) de Pierre Fouchenneret est rapidement amené à jouer avec des musiciens d'exception avec qui se tissent des projets pharaoniques. Il fonde le quatuor Strada avec qui il partage de nombreuses entreprises par lesquelles naissent des intégrales : celle de la musique de Brahms en douze albums (BRecords), celle des sonates pour piano et violon de Beethoven (Aparte), celle de la musique de Robert Schumann (BRecords), comprenant elle aussi le concerto pour violon, et celle de la musique de chambre de Gabriel Fauré (Aparte) ainsi que du rare concerto pour violon qu'il interprète avec l'orchestre symphonique de la radio-télévision irlandaise, à paraître chez Naxos.